sexta-feira, 23 de abril de 2021

A GUERRA DO VIETNÃ - QUE GUERRA FOI ESSA?

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Publicada originalmente em 30 de abril de 2011 e vista por 4.560 pessoas.
Este ano, faz 46 anos do fim da Guerra do Vietnã (ou Vietname, ou Vietnam, ou ainda, segundo os vietnamitas, Guerra Americana), que foi um dos mais sangrentos conflitos armados depois da 2ª guerra mundial. Começou em 1959 e terminou em 30 de abril de1975. As batalhas ocorreram nos territórios do Vietnã do Norte, Vietnã do Sul, Laos e Camboja.
O Vietnã havia sido colônia francesa e no final da Guerra da Indochina (1946-1954) foi dividido em dois países. O Vietnã do Norte era comandado por Ho Chi Minh, possuindo orientação comunista pró União Soviética. O Vietnã do Sul, uma ditadura militar, passou a ser aliado dos Estados Unidos e, portanto, com um sistema capitalista. A relação entre os dois Vietnãs, em função das divergências políticas e ideológicas, era tensa no final da década de 1950. Em 1959, vietcongues (guerrilheiros comunistas), com apoio de Ho Chi Minh e dos soviéticos, atacaram uma base norte-americana no Vietnã do Sul. Este fato deu início a guerra.

Entre 1959 e 1964, o conflito restringiu-se apenas ao Vietnã do Norte e do Sul, embora Estados Unidos e também a União Soviética prestassem apoio indireto. Em 1964, os Estados Unidos resolveram entrar diretamente no conflito, enviando soldados e armamentos de guerra. Os soldados norte-americanos sofreram num território marcado por florestas tropicais fechadas e grande quantidade de chuvas. Os vietcongues utilizaram táticas de guerrilha, enquanto os norte-americanos empenharam-se no uso de armamentos modernos, helicópteros e outros recursos.
No final da década de 1960, era claro o fracasso da intervenção norte-americana. Mesmo com tecnologia avançada, não conseguiam vencer a experiência dos vietcongues. Para piorar a situação dos Estados Unidos, em 1968, o exército norte-vietnamita invadiu o Vietnã do Sul, tomando a embaixada dos Estados Unidos em Saigon. O Vietnã do Sul e os Estados Unidos responderam com toda força. Foi o momento mais sangrento da guerra. No começo da década de 1970, os protestos contra a guerra aconteciam em grande quantidade nos Estados Unidos e na Europa. Jovens, grupos pacifistas e a população em geral iam para as ruas pedir a saída dos Estados Unidos do conflito e o retorno imediato das tropas. Neste momento, já eram milhares os soldados norte-americanos mortos. A televisão mostrava as cenas violentas e cruéis da guerra.

Sem apoio popular e com derrotas seguidas, o governo norte-americano aceitou o Acordo de Paris, que previa o cessar-fogo em 1973. Em 1975, ocorreu a retirada total das tropas norte-americanas. Foi a vitória do Vietnã do Norte. O conflito deixou mais de 1 milhão de mortos (civis e militares) e o dobro de mutilados e feridos. A guerra arrasou muitas vidas, campos agrícolas, destruiu casas, vilas inteiras e provocou prejuízos econômicos gravíssimos no Vietnã, que foi reunificado em 2 de julho de 1976 sob o regime comunista, aliado da União Soviética. Travada com uma grande cobertura diária dos meios de comunicação, a guerra levou a uma forte oposição e divisão da sociedade norte-americana, que gerou os Acordos de Paz de Paris em 1973, causando a retirada das tropas do país do conflito. Ela prosseguiu com a luta entre o norte e o sul do Vietnã dividido, terminando em abril de 1975, com a invasão e ocupação comunista de Saigon, então a capital do Vietnã do Sul e a rendição total do exército sul-vietnamita. Para os Estados Unidos, a Guerra do Vietnã resultou na maior confrontação armada em que o país já se viu envolvido, e a derrota provocou a 'Síndrome do Vietnã' em seus cidadãos e sua sociedade, causando profundos reflexos na sua cultura, na indústria cinematográfica e grande mudança na sua política exterior, até a eleição de Ronald Reagan, em 1980.

A MENINA QUE SOBREVIVEU AO MASSACRE
Na imagem, a menina sempre vai ter 9 anos e gritará "Muito quente! Muito quente" ao fugir correndo nua de um vilarejo vietnamita com partes do corpo cobertas por Napalm (potente arma química composta por um conjunto de líquidos inflamáveis à base de gasolina gelificada, utilizados como armamento militar). Ela sempre será uma vítima sem nome. No entanto, Kim Phuc, a menina sem nome, passou grande parte de sua vida tentando não se tornar vítima da imagem que a tornou famosa mundialmente, ainda que pouquíssimas pessoas soubessem quem ela realmente era. Bastou apenas um segundo para o fotógrafo da AP Huynh Cong registrar a imagem, uma das mais importantes da história do fotojornalismo mundial. Uma imagem que comoveu o mundo e ajudou a dar fim à Guerra do Vietnã. Apesar da relevância histórica de sua presença, Phuc diz que "realmente gostaria de escapar daquela pequena menina, mas parece que aquela imagem nunca me deixou ir", diz a vietnamita. Em entrevista a agência AP, Phuc conta que viveu uma vida relativamente normal após os 13 meses que passou no hospital, apesar de ainda ser afetada por dores de cabeça e em outras partes do corpo, efeitos colaterais do ataque ao vilarejo vietnamita em que morava em 8 de junho de 1972.

No entanto, após conseguir chegar à faculdade de medicina, ela foi forçada a deixar os estudos, retornar a Trang Bang e se tornar uma garota propaganda do governo comunista que controla o país desde o fim da guerra. Sob os olhares do Exército, ela se encontrava com jornalistas, lia uma versão roteirizada de sua história, ria e cumpria o seu papel, mas a raiva crescia em seu coração.

"Eu fui queimada por napalm, me tornei uma vítima de guerra. Mas ao crescer, eu me tornei outro tipo vítima. Meu coração era exatamente como uma xícara de café preto. Eu desejava ter morrido com meu primo no ataque, com os soldados sul-vietnamitas. Era muito difícil carregar aquele fardo com aquele ódio, aquela raiva e amargura", diz Phuc. Um dia, durante uma visita a uma biblioteca, Phuc começou a ler a Bíblia. A partir daí, ela diz que sua vida deu uma nova guinada. Com o auxílio de um jornalista estrangeiro, ela foi levada à Alemanha Ocidental para receber tratamento médico em 1982. Posteriormente, o governo vietnamita deu permissão a ela para estudar em Cuba. Lá, no entanto, ela seguia sendo a "Menina do Napalm", um ícone que atraía o interesse da mídia internacional. Na escola, ela encontrou o seu futuro marido, Bui Huy Toan. Phuc acreditava que ninguém ia se apaixonar por ela por causa de suas horríveis cicatrizes nos braços e costas, mas ele aparentemente a amava ainda mais por isso. Os dois se casaram em 1992 e passaram a lua-de-mel em Moscou. No voo de volta, os recém-casados desertaram durante uma parada para reabastecimento e se refugiaram no Canadá. Ela finalmente conseguia sua liberdade. Uma das primeiras coisas que fez após se estabelecer no Canadá foi contatar Huynh Cong, o fotógrafo de sua clássica imagem, a quem reencontrara em Cuba em 1989, e que a encorajou a compartilhar sua história com o mundo. Mas ela estava cansada de entrevistas e de posar para fotos. "Eu tenho um marido, uma nova vida e quero ser normal como todo mundo". A mídia enfim a encontrou vivendo nos arredores de Toronto, mas dessa vez ela decidiu assumir o controle de sua história.

Um livro sobre sua vida lançado em 1999, assim como um documentário posterior, contavam a sua versão. Desde então, ela foi chamada para ser uma embaixadora da boa-vontade das Nações Unidas e se reencontrou com Huynh Cong várias vezes. Após quatro décadas e dois filhos, Phuc finalmente conseguiu olhar para a imagem da menina correndo nua e abraçar o poderoso significado que ela passa. "A maioria das pessoas conhece a imagem, mas muito poucos sabem sobre a minha vida. Eu sou muito agradecida por poder aceitar a foto como um presente poderoso. Agora é minha escolha, posso trabalhar com ela pela paz".

JACKIE LOMAX - SOUR MILK SIR - SENSACIONAL!*****

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Jackie Lomax é o classico exemplo do artista talentoso que jamais conseguiu vender. Excelente intérprete de soul e rhythm & blues, entre os ingleses brancos ele é, segundo alguns, comparável apenas a Steve Winwood, embora não tenha, nem de perto, o mesmo reconhecimento. Lomax nasceu em 10 de maio de 1944 em Wallasey, no outro lado do rio Mersey em Liverpool. Se interessou pelo violão graças à moda do skiffle, como tantos garotos ingleses daquela geração. Conheceu os Beatles antes da fama ainda em Liverpool. No inicio da década de sessenta entrou para uma banda chamada Dee & the Dynamites. Em 1962, se uniu ao the Undertakers, e mais tarde foi tentar a sorte no Canadá e Estados Unidos. Quando os Beatles foram tocar no Shea Stadium, em Nova York, Lomax, sendo de Liverpool e tendo feito parte da mesma cena musical que eles, teve acesso livre ao grupo. Depois do show, voltou com eles ao Warwick Hotel e conversou com os rapazes sobre sua situação. Depois Epstein pediu que ele o procurasse em Londres. E assim The Lomax Alliance chegou em Londres. Brian Epstein conseguiu intermediar um contrato com a Columbia Records para Jackie Lomax e sua banda gravarem seu primeiro álbum. Quando a coisa parecia estar indo bem, Brian Epstein morreu e a Columbia acabou cancelando o lançamento. The Lomax Alliance voltou para os Estados Unidos porém não demorou muito e Jackie Lomax deixou o grupo, voltando para Londres. Jackie Lomax procurou John Lennon que lhe sugeriu que ele gravasse em dois canais o material novo que tivesse e levasse até a Apple Publishing, que ficava acima da Apple Boutique. Foi o que ele fez e perto do ano novo, George Harrison lhe telefonou dizendo que leu as letras e ouviu as canções e estaria interessado em produzi-lo, assim que voltasse de um retiro espiritual com os outros Beatles na India. Com a volta dos Beatles nasceu a Apple Corps, e nela residiu a mais nova gravadora com escritórios em Londres e Nova York, Apple Records. Jackie Lomax assinou com a Apple passando a ser o primeiro artista contratado pelo selo. Com a assistência de George Harrison, passou parte do verão de 1968 gravando seu novo álbum. No mesmo período, os Beatles estavam gravando o “Album Branco” e Lomax foi convidado a fazer vocais de fundo em Dear Prudence.

Se este rock escrito por George Harrison soa como um single perdido dos Beatles, é porque basicamente o é: gravada durante as sessões do Álbum Branco, a faixa conta com Harrison, McCartney, Starr e Eric Clapton. "É sobre meditação. Usei 'Sour Milk Sir' (Mar de Leite Azedo' como a ideia de 'se você está na lama, faça algo a respeito", disse Harrison. "Sour Milk Sea", foi o terceiro compacto lançado pela Apple (Hey Jude, com os Beatles e Those Were The Days, com Mary Hopkin foram os primeiros) e não alcançou o sucesso desejado.

O rockão, composto por George Harrison, foi gravado com os Beatles, menos John Lennon, mais Eric Clapton e Nicky Hopkins. O primeiro álbum solo de Lomax a ser lançado, Is This What You Want? chegou as lojas em janeiro de 1969. O álbum tem uma seleção de músicos convidados de fazer inveja a qualquer um.

Entre outros músicos mais conhecidos estão George Harrison e Eric Clapton como dupla de guitarras, Nicky Hopkins no piano, Billy Preston no órgão, Paul McCartney no baixo e Ringo Starr na bateria. Outros músicos nas sessões incluem Klaus Voorman no baixo e Hal Blaine na bateria. Apesar de muita expectativa cercando o lançamento pela imprensa, o disco foi um retumbante fracasso de vendas.

Com o fim dos Beatles e a Apple em crise, Jackie Lomax deixou a gravadora e entrou na banda de hard blues Heavy Jelly. Depois, juntou-se a outra banda, desta vez de hard rock, chamada Balls. E de galho em galho, passaram-se os anos 70, 80, 90 e Jackie Lomax continuou na estrada apesar da falta do sucesso comercial. Durante seus últimos anos, residiu em Ojai, Califórnia, com sua esposa, Annie. Em 15 de setembro de 2013, Jackie Lomax morreu com 69 anos, após uma curta doença, em Wirral, enquanto estava na Inglaterra para o casamento de sua filha. Aqui, a gente confere a incrível "Sour Milk Sea" e abaixo, o álbum "Is This What You Want?" completo. Viva a internet!

quinta-feira, 22 de abril de 2021

A HISTÓRIA DO CAVERN CLUB - ONDE TUDO COMEÇOU!

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O Cavern Club foi inaugurado no dia 17 de janeiro de 1957. Foi fundado por Alan Sytner, filho de um conhecido médico de Liverpool, Dr. Joe Sytner, apaixonado por jazz e impressionado com um "club" que conheceu em Paris, o "Le Caveau Français", Alan Sytner fundou em Liverpool, o "Cavern Jazz Club". O nome obviamente foi influenciado pela casa da França. No dia da inauguração, apresentaram-se Merseysippi Jazz Band e The Coney Island Skiffle Group.

Paralelamente ao jazz, Sytner promoveu noites de Skiffle no Cavern Club. O sucesso desse gênero musical no Cavern foi tal, que em 26 de junho de 1957 foi realizado um festival com 20 grupos de Liverpool, sendo os mais famosos Joe Shannon, Smoke River, The Deltones e Calandonie, todos tinham a terminação de Skiffle Group. A moda espalhou-se pela cidade onde muitos grupos se formavam. No Cavern Club aonde a Merseysippi Jazz Band tocava semanalmente, e até concursos de Miss aconteciam, bandas de Skiffle tentavam se firmar. Numa quarta- feira, dia  7 de agosto de 1957 aconteceu a primeira apresentação de uma banda desconhecida chamada The Quarrymen Skiflle Group, tendo a frente um desconhecido garoto chamado John Lennon. Nesse dia eles abriram os shows dos Deltonas e Dark Town Skiffle Groups.

Num sábado, 12 de outubro deste mesmo ano apresentou-se o grupo que mais apresentações fez no Cavern Club e tornou-se um dos preferidos: o Blue Genes Skiffle Group, mais tarde batizado como Swinging Blue Genes, devido ao modo com que dançavam durante os shows , e finalmente Swinging Blue Jeans ao firmar contrato com um patrocinador que vendia jeans, a fábrica Lybro.
Bem menos famoso, o Quarrymen Skiffle Group voltaria a se apresentar no dia 24 de janeiro de 1958, uma sexta-feira já com um novo componente também desconhecido chamado Paul McCartney.

Os Blue Jeans reinaram durante 58 e 59. Num domingo, 17 de janeiro de 1960 aconteceu a primeira apresentação da banda Rory Storm & the Hurricanes com um baterista chamado Ringo Starr. Isso não conseguiu abalar o prestígio dos Blue Jeans que só foram encontrar um oponente de verdade no dia 16 de novembro com a primeira apresentação de uma nanda nova: Gerry & the Pacemakers. A partir daí uma nova fase começava, grupos como Gerry & The Pacemakers, Remo Four e The Shadows, dividiam com os Blue Jeans o coração das fans.

Finalmente, no dia 9 de fevereiro de 1961, uma terça-feira, apresentou-se pela primeira vez a banda "THE BEATLES" com George Harrison na guitarra. Nesse dia Stuart Sutcliffe somente apareceu na plateia do Cavern Club. Na bateria, Pete Best.
1961 foi um ano ótimo para Liverpool e para o Cavern Club, que se torna definitivamente um clube de Rock and Roll. Novas bandas apareciam, prenunciando novos e maravilhosos tempos. Bandas como The Searchers, Kingsize Taylor & the Dominoes, The Strangers, revezavam-se nos shows onde agora Gerry & The Pacemakers e os Beatles mereciam a preferência do público. No dia 9 de novembro receberam a visita daquele que iria mudar a vida da banda: Brian Epstein viu os Beatles em ação, se apaixonou e começou a trabalhar.

Em 1962 a fama do Cavern crescia, os Blue Jeans, os Pacemakers e os Beatles tocavam quase que diariamente e novos grupos apareciam: The Denisons, The Merseybeats, The Dakotas, Billy Kramer & The Coasters, Freddie & The Dreamers, e The Fourmost. Este foi o ano fundamental para os Beatles. Assinaram com Brian Epstein, e no dia 15 de agosto fizeram seu último show com Pete Best na bateria, no dia 22 de setembro foi a primeira apresentação com Ringo Starr como baterista. Sendo o 1º show filmado no Cavern. Poucos dias antes, no dia 18 de setembro, Pete Best apresentou-se tocando com um grupo chamado Lee Curtis & The All Star, antes de entrar em profunda depressão.
Em 1963 com os Beatles já conquistando o mundo, novas bandas começaram a ter seu lugar, como The Hollies, Wayne Fontana e The Animals.
O Cavern Club foi ficando ficando cada dia mais famoso e conhecido e grupos de fora passaram a ir à Liverpool especialmente para tocar lá como The Rolling Stones e The Riot Squad (com John Lord no teclado e Mitch Mitchell na bateria).
No dia 3 de agosto de 1963, um sábado, os Beatles fizeram a sua última apresentação no Cavern Club. Os dois 1 º sócios do Cavern que comprassem tickets para o evento ganhariam cópias do disco Twist and Shout, autografado. Foi a maior confusão. No Cavern, os Beatles fizeram ao todo 292 shows.

Em 1964 e 1965, foi a vez dos Herman's Hermits, The Four Pennies, The Yardbirds, direto de Londres, com Eric Clapton, The Kinks, The Hoochie Coochie Men, com Rod Stweart no vocal, The Rolling Stones, The Moody Blues e The Iveys (mais tarde Badfinger).
O Cavern passou a apresentar até cinco bandas num só dia, mas o sonho estava acabando. Em 1966, espalhou-se a notícia que que o Cavern Club estava incrivelmente endividado e poderia fechar suas portas. Imediatamente várias bandas locais se uniram para arrecadar fundo para salvar o velho templo. Infelizmente o dinheiro arrecadado não foi suficiente e o Cavern Club encerrou suas atividades em 28 de fevereiro de 1966.
Depois de fechado, o clube despertou o interesse de vários empresários e foi comprado por Joe Davey reabrindo suas portas em 23 de junho de 1966. Mas a mágica já havia acabado. O clube foi fechado definitivamente em março de 1973. O Cavern Club original foi demolido em maio daquele ano.

No dia 26 de abril de 1984 foi anunciada a abertura de um “novo” Cavern Club, na mesma Mattew Street, só que do outro lado da rua onde era o primeiro Cavern. Mais de 15.000 dos tijolos originais do antigo Cavern foram guardados, restaurados e usados na reconstrução dos arcos e abóbadas quase nas mesmas dimensões do original. De forma que a famosa casa onde os Beatles começaram continua a existir até hoje e é um dos pontos turísticos mais visitados da Inglaterra. Em 14 de dezembro de 1999, Sir Paul McCartney voltou ao palco do Cavern para fazer seu último show daquele ano na divulgação do álbum Run Devil Run.

Desde então, O Cavern Club vem funcionando normalmente, e todos os anos nele são realizados durante no mês de agosto, shows e festivais em homenagem aos Beatles, os Reis do Cavern. Durante a Beatleweek, apresentam-se bandas de todos os lugares do planeta.

PAUL McCARTNEY - I SAW HER STANDING THERE - AT THE CAVERN CLUB *****

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O DIA QUE JOHN LENNON VIROU "ONO"

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Há exatos 52 anos, no dia 22 de abril de 1969, John Lennon trocou formalmente seu nome do meio de 'Winston' para 'Ono', durante uma breve cerimônia realizada no telhado do prédio da Apple em Savile Row, Londres. Lennon nunca gostou de seu nome do meio, que lhe fora dado durante um período de patriotismo pela guerra. Tecnicamente, não foi possível para Lennon simplesmente se livrar do 'Winston' que o desagradava, já que a lei do Reino Unido determina que uma pessoa não é capaz de revogar completamente um determinado nome de nascimento. Como resultado, seu nome oficial passou a ser John Winston Ono Lennon. Depois da troca de nome, Lennon e Ono foram para Abbey Road, onde gravaram a faixa “John And Yoko” que se tornou a primeira do Wedding Album.

Wedding Album foi o terceiro e último (ufa!) de uma sucessão de três álbuns experimentais de John Lennon e Yoko Ono. Antes vieram, Unfinished Music No. 1: Two Virgins (novembro de 1968) e Unfinished Music No. 2: Life with the Lions (maio de 1969). Na Inglaterra, o álbum foi lançado com o crédito de "John e Yoko", sem sobrenomes mencionados. Na América, foi lançado com o crédito de "John Ono Lennon & Yoko Ono Lennon". A faixa "John & Yoko", ocupa todo o lado 1 do LP com seus 22 minutos e 45 segundos, numa gravação feita nos dias 22 e 27 de abril de 1969, e não é mais que Lennon e Ono chamando os nomes um do outro, através de uma gama de volume, tempos e emoções, sobre o som de seus batimentos cardíacos. Os dois gravaram em alto-falantes individuais. Só para fãs muito, muito doentes. Haja paciência!

terça-feira, 20 de abril de 2021

THE BEATLES - 1 HORA DE 'GET BACK' - SENSACIONAL!

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THE BEATLES - HELLO GOODBYE - SENSACIONAIS!*****

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THE HOLLIES - EVOLUTION - 1967✽✽✽✽✽

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Evolution foi o primeiro de dois álbuns lançados em 1967 pelos Hollies, o outro foi Butterfly. Foi seu sexto álbum no Reino Unido e chegou a posição 13 na parada. Como seu antecessor, For Certain Because, este álbum compreende apenas canções escritas pelos membros do grupo Allan Clarke , Graham Nash e Tony Hicks. Nenhuma das canções do álbum foi selecionada para single ou EP no Reino Unido, embora "Carrie Anne" do lançamento americano tenha sido lançada como single nos Estados Unidos. O baterista Bobby Elliott tocou apenas três músicas do álbum devido a uma apendicite e foi substituído por Dougie Wright, Clem Cattini e Mitch Mitchell da banda Jimi Hendrix Experience.
A arte da capa do álbum foi criada pelo The Fool, com a foto psicodélica da banda feita por Karl Ferris, a quem se atribui a criação da primeira fotografia verdadeiramente psicodélica para a capa de um álbum. Ferris comentou sobre a confecção da capa do álbum durante uma assinatura especial de cópias da capa em 1997: “...eles queriam sair de seu som 'Pop Beat' para algo mais psicodélico. Então eu escutei a música que eles estavam gravando no Abbey Road Studios, e tive uma imagem deles empurrando uma membrana para 'o mundo psicodélico', e então no verão de 1966 eu tirei uma foto de estúdio deles estendendo as mãos e o vocalista apontando através de plástico transparente. Sobre isso, sobrepus uma imagem do papel de parede Art Nouveau de William Morris com uma ilustração e as letras 'Love' desenhadas por minha namorada Anke. Essa combinação criou a imagem dos Hollies 'avançando para uma nova onda de estilo musical e consciência'. Eu trabalhei com o Fool (liderado por Simon Posthuma) nisso, e eles criaram a fonte, o desenho da contracapa e os figurinos do grupo”.

A música "Have You Ever Loved Somebody?" (Graham Nash / Alan Clarke / Tony Hicks) foi lançada antes (em setembro de 1966) tanto pelos Searchers quanto por Paul e Barry Ryan como singles. Foi lançada pela primeira vez pelos Everly Brothers em seu álbum Two Yanks in England, de 1966. Evolution foi gravado no estúdio da EMI em Abbey Road em apenas seis dias distribuídos por três meses no início de 1967, ao mesmo tempo, os Beatles gravavam Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, lançado em 1º de junho de 1967. Evolution foi lançado em 26 de junho daquele ano.
Evolution também foi o nome do álbum de estreia dos Hollies para seu novo selo americano, Epic Records. Mas, como muitas edições americanas de álbuns ingleses, este também foi remixado usando eco pesado e reverberação. Além disso, três músicas foram deixadas de fora com apenas "Carrie Anne" adicionada. A capa mostrada nos EUA e Canadá, usava a mesma fotografia de Karl Ferris, mas diferia da capa do Reino Unido por dispensar o design geral do Fool. Em vez disso, colocaram o nome "The Hollies" na capa em letras de influência psicodélica mais convencional e o nome do álbum em uma fonte normal. Apesar disso, Evolution foi um nome adequado para este álbum. É mais um grande disco em meio a muitos outros. Afastando-se da música beat simples de seus primeiros discos, os Hollies entram no rock barroco e continuam a experimentar o rock psíquico para criar um de seus melhores, senão o melhor, álbum.

domingo, 18 de abril de 2021

OS BEATLES, PAPERBACK WRITER E A SWINGING LONDON - SENSACIONAL!

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Por alguns anos na década de 1960, Londres foi a capital mundial do cool. Quando a revista Time dedicou sua edição de 15 de abril de 1966 a Londres: a Swinging City, ela consolidou a associação entre Londres e todas as coisas da moda que vinham crescendo na imaginação popular ao longo da década.

A notável metamorfose de Londres de uma capital sombria e encardida do pós-guerra em um epicentro de estilo brilhante foi em grande parte devido a dois fatores: juventude e dinheiro. O baby boom da década de 1950 significou que a população urbana era mais jovem do que desde os tempos romanos. Em meados dos anos 60, 40% da população em geral tinha menos de 25 anos. Com a abolição do Serviço Nacional para os homens em 1960, esses jovens tinham mais liberdade e menos responsabilidades do que a geração de seus pais. Eles se rebelaram contra as limitações e restrições da sociedade do pós-guerra.
Somado a isso, os londrinos tinham mais renda disponível do que nunca - e estavam procurando maneiras de gastá-la. Nacionalmente, os ganhos semanais nos anos 60 superavam o custo de vida em impressionantes 183%: em Londres, onde os ganhos eram geralmente maiores do que a média nacional, o número era provavelmente ainda maior.
Essa combinação inebriante de riqueza e juventude levou ao florescimento da música, da moda, do design e de qualquer outra coisa que banisse a escuridão do pós-guerra. Butiques de moda surgiram à toa. Os homens se aglomeraram em Carnaby St. perto do Soho, para ver as últimas novidades da moda 'Mod'. Enquanto as mulheres eram atraídas para a King's Road, onde as mini-saias radicais de Mary Quant voaram dos trilhos de sua loja icônica, a Bazaar.

Mesmo as modas mais chocantes ou totalmente malucas foram popularizadas por modelos que, pela primeira vez, se tornaram superestrelas. Jean Shrimpton foi considerada o símbolo da Swinging London, enquanto Twiggy foi nomeada “a cara” de 1966.
A música também foi uma grande parte do swing de Londres. Enquanto Liverpool tinha os Beatles, o som de Londres era uma mistura de bandas que alcançaram sucesso mundial, incluindo The Who, os Kinks, os Small Faces e os Rolling Stones. Sua música era o esteio de estações de rádio piratas como Radio Caroline e Radio Swinging England. Tipos criativos de todos os tipos gravitavam para a capital, de artistas e escritores a editores de revistas, fotógrafos, anunciantes, cineastas e designers de produtos.
Mas nem tudo no jardim de Londres era rosado. A imigração era uma batata quente política: em 1961, havia mais de 100.000 estrangeiros em Londres e nem todos os recebiam de braços abertos. O maior problema era uma enorme escassez de moradias para substituir edifícios bombardeados e favelas inadequadas e lidar com uma população urbana em expansão. A solução mal concebida - enormes propriedades de prédios de apartamentos - e os problemas sociais que elas criaram mudaram a face de Londres para sempre. Na década de 1970, com o declínio da indústria e o aumento do desemprego, a Swinging London parecia uma memória muito vaga e distante. Fonte: History.
Esse texto que a gente confere agora, é do sensacional livro "THE BEATLES 1966 - O Ano Revolucionário" de Steve Turner.
Paralelamente aos anos 1960 de Timothy Leary, Alan Watts e Allen Ginsberg, em que estados de transcendência e renúncia ao materialismo eram enfatizados, havia os anos 1960 de David Bailey, Batman, James Bond, Vidal Sassoon, Twiggy, The Avengers, Playboy, em que estilo, riqueza e glamour reinavam supremos. Foi durante uma semana em meados de abril, por coincidência, que a revista Time publicou sua icônica capa “London: The Swinging City”, que cimentou o conceito de “Swinging London” e deu à capital uma muito necessária cara nova. Londres deixou de ser apenas a cidade dos banqueiros e jogadores de críquete, mas também das dolly birds (garotas atraentes e elegantes), butiques, dos bistrôs e dos Beatles. A cidade “imersa em tradição” tinha sido “tomada pela mudança” e “libertada pela afluência”. A Time concluía que Londres “floresceu totalmente. Ela tem swing; é a cena”.

A matéria, que teve a contribuição de sete jornalistas da equipe da agência de Londres, mas foi escrita por Piri Halasz, citou Robert Fraser, o ator Terry Stamp, a personalidade da TV Cathy McGowan (coapresentadora mod do programa semanal sobre música Ready, Steady, Go!), o dramaturgo John Osborne e a aristocrata Jane Ormsby-Gore. Os jornalistas perambularam por galerias e boates, foram a butiques e teatros, numa tentativa de capturar a cena efervescente. As palavras e frases recorrentes na matéria poderiam ter sido usadas para descrever a música que os Beatles estavam produzindo na época: “revigorante”, “vital”, “experimental”, “nova” e “apaixonada por mudança”.
“Paperback Writer”, à sua própria maneira, destilava o mesmo momento. Aquele foi um período em que havia a impressão de que praticamente qualquer pessoa, não importava a simplicidade de seu passado, podia se dar muito bem. Era preciso apenas ter uma boa ideia, bons contatos e audácia. A natureza exata do livro (paperback) em discussão na letra era indistinta (um romance baseado num romance? Um romance sobre um jornalista do Daily Mail que queria ser romancista?). Mas o espírito da busca do autor, não. Era alguém tão desesperado que cederia seu texto de qualquer maneira necessária, somente para que fosse impresso. Era uma abordagem do trabalho diametralmente oposta à dos Beatles. A escrita de ficção era um tópico incomum numa canção pop da época, em especial numa música pop dos Beatles. Paul estava ciente de que se aventurava num território novo em relação às letras. Um jornalista da Beatles Book Monthly presente na sessão perguntou o que ele pretendia com “Paperback Writer”. “Você escutou a letra?”, perguntou Paul. O jornalista tinha ouvido e comentou que era “muito incomum”. Paul explicou: “O problema é que já fizemos tudo o que podíamos com quatro pessoas, e é difícil variar sempre com as mesmas coisas e fazer um som diferente”. Para o Melody Maker, ele diria mais tarde: “Sempre tentamos fazer algo diferente, e essa ideia é diferente”.
A outra candidata a single era “Rain”, que começou com uma ideia de John, para a qual Paul acredita ter feito uma contribuição de 30 por cento. De acordo com Paul, era sobre o lado prazeroso da chuva: “As canções tradicionalmente tratam a chuva como uma coisa ruim. Não existe sensação melhor que a chuva batendo nas suas costas". “Rain”, no entanto, era mais do que isso. Era mais filosófica do que meteorológica. John estava de novo enfrentando a questão da consciência e precisava expandi-la ou alterá-la. Uma tempestade de chuva, ele argumentava na canção, não é nem boa nem ruim. O estado de “nossa mente” é o que determina como nos sentimos quando nos molhamos. Reestruture sua mente, e as experiências negativas podem ser eliminadas. “Paperback Writer” foi gravada no dia 13 de abril. Para diferenciá-la, Paul queria que o som do baixo ficasse mais destacado na mixagem. Ele estava se inspirando na maneira como a Motown dava destaque a seu baixista de estúdio, James Jamerson, e à forma de tocar de Donald “Duck” Dunn, da Stax. Os singles britânicos daquele momento, como “My Generaüon” e “Substitute”, do The Who, e “Keep on Running” e “Somebodv Help Me”, do Spencer Davis Group, também tinham aumentado o baixo.

Em agosto de 1965, nos Estados Unidos, Paul ganhou um baixo Rickenbacker 4001S customizado para canhotos, usado em Rubber Soul, ao descobrir que seu som direto e claro se encaixava com a nova fluidez que estava buscando para seu estilo de tocar. Ele continuou a usar o baixo Hofner Violino, sua marca registrada, pois era mais leve e mais apropriado para tocar ao vivo. Paul pediu a Geoff Emerick para melhorar o som do Rickenbacker para que funcionasse como um instrumento de destaque, que não ficasse soterrado pelos outros sons. Emerick inventou outra solução muito ori­ginal. Em vez de colocar um microfone diante da caixa do baixo, como era o costume em gravações, Emerick recabeou um alto-falante, trans­formando-o num microfone. A enorme superficie que capturava o baixo potencializou o som a níveis sem precedentes. O resultado foi tão poderoso que excedeu os limites decretados pelo manual de regras da EMI. Isso porque as gravações com volume alto podiam fazer as agulhas dos toca-discos pular por causa das ranhuras dos discos de vinil. No entanto, os Beatles eram naquele momento uma banda tão valiosa para a EMI que concessões foram feitas para eles. Nes­se caso, o responsável pela prensagem dos discos, Tony Clarke foi um aliado de Emerick e não interferiu na mixagem para tentar diminuir o baixo.

Em 30 de maio de 1966, o single “Paperback Writer / Rain” foi lançado nos Estados Unidos. O lançamento britânico já havia acontecido em 23 de maio, chegando ao primeiro lugar das paradas de sucesso. “Paperback Writer” foi escrita por Paul McCartney e gravada em Abbey Road em dois dias consecutivos, 13 e 14 de abril de 1966. Foi produzida por George Martin e teve Geoff Emerick como engenheiro. Paul McCartney faz os vocais, toca a guitarra solo e baixo; John Lennon faz backing vocals e toca pandeiro; George Harrison faz backing vocals e toca guitarra base; e Ringo Starr toca bateria. “Paperback Writer” aparece nos álbuns: “A Collection of Beatles Oldies”, “Hey Jude”, “Past Masters” e “1”.

PETER FRAMPTON NA REVISTA VEJA

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A última revista Veja com data de 21 de abril de 2021, edição n° 2734, e que mostra o Lula na capa, traz uma pequena matéria com Peter Frampton. Por Felipe Branco Cruz - em 16 de abril 2021.
Peter Frampton precisa solar mais rápido do que nunca. Portador de uma doença degenerativa muscular que atinge principalmente as pernas, os braços e as mãos — a miosite por corpos de inclusão —, ele em breve não será mais capaz de tocar guitarra. Aos 70 anos, o artista inglês quer gravar e lançar a maior quantidade possível de musicas antes que seja tarde. No fim de 2019, ele anunciou a aposentadoria dos palcos e disse que dedicaria o ano seguinte a esse objetivo. Mas a dramática corrida contra o tempo ganhou um inesperado complicador: o coronavírus, que atrasou seus planos de trabalho em estúdio. "Sou realista. Se tiver alguma chance de continuar tocando, eu vou continuar. Mas, quando a pandemia acabar, posso estar em um estágio em que já não conseguirei mais”.
O formato de seu novo álbum, com lançamento na sexta-feira 23, reflete a pressa do artista, que hoje ostenta uma calva no lugar da cascata de cachos dourados dos tempos de glória. Era um visual híbrido de surfista e guitar hero. Ao concentrar-se atualmente em covers instrumentais de canções de velhos amigos, ele não perdeu tempo compondo novas letras ou arranjos. O álbum Frampton Forgets the Words comprova o subestimado virtuosismo do guitarrista em releituras de George Harrison, Stevie Wonder, David Bowie e até Radiohead. Resiliente, Frampton teve uma vida repleta de altos e baixos. Ora foi celebrado como um dos maiores guitarristas do rock, ora ignorado por todos. Não por acaso, diz que o novo disco homenageia quem o ajudou a se reerguer. Um desses anjos foí Bowie. Frampton o conheceu na escola, quando o futuro Camaleão do Rock ainda se chamava David Jones e era aluno de artes de seu pai. Surgiu daí uma amizade para toda a vida. Na música, enquanto Bowie seguiu seu caminho peculiar, Frampton formou o grupo Humble Pie, no fim dos anos 70. Mas foi em carreira-solo que ele estourou, com o álbum Frampton Comes Alive! de 1976, até hoje considerado o disco ao vivo mais vendido da história, na esteira de hits como Baby, 1 Love Your Way e Show Me the Way. Ao lado das baladas matadoras, sua marca registrada eram os solos feitos com talkbox, um dispositivo conectado na guitarra e em um cano de borracha que faz o instrumento soar como se estivesse cantando. “Quando o usei pela primeira vez, ninguém sabia o que era aquilo” relembra Frampton. A partir daí, a vida dele se transformaria em uma gangorra. No auge da carreira, ele quase morreu em um acidente de carro nas Bahamas. Para piorar, sua guitarra favorita, uma Gibson Les Paul 1954, desapareceria num acidente de avião em 1980, após a queda do cargueiro que a transportava em tour na Venezuela. Viciado em álcool e remédios, além de falido, Frampton ficou longe dos palcos por anos. A volta por cima se deu graças a Bowie, que o resgatou em 1987 para participar de um álbum e turnê mundial. E, como num milagre, sua guitarra reapareceu: ela sobreviveu ao acidente e, 32 anos depois, voltou para o dono após alguém achá-la e vendê-la a terceiros. Nas últimas décadas, Frampton viveu basicamente dos louros do sucesso do passado, sem arriscar muito em coisas novas. O diagnóstico da miosite, revelado em 2019, tiraria o musico da zona de conforto. Ciente de que o tempo como guitarrista é finito, Frampton já tem na manga um novo álbum de covers de blues, sequência de outro belo trabalho lançado há dois anos. “Tudo o que quero agora é compor e gravar”, diz. Que os deuses do rock inspirem o herói da guitarra em seus últimos acordes.
Em mais de cinquenta anos de estrada, Peter Frampton viveu altos e baixos, e acumulou boas histórias que relembra em entrevista a VEJA.
Como está sua saúde?
Psicologicamente, estou bem... Fisicamente, nem tanto, porque a doença está progredindo constante mente. Agora, minhas pernas estão mais afetadas. Descer escadas é a pior coisa para mim. Também já está paralisando minhas mãos. No mais, tomei as duas doses da vacina contra o coronavírus e estou me precavendo bastante. Tudo o que eu quero é compor e gravar o máximo que eu puder.
Sua vida é repleta de percalços e voltas por cima. Que balanço o senhor faz dela?
Eu me tornei uma das maiores estrelas do mundo da noite para o dia. Alguns anos depois, fui para o fundo do poço. Por isso, sei como é estar por cima e depois cair, passar a ser ignorado e não ter um tostão no bolso. Essa gangorra construiu meu caráter e instinto de sobrevivência. Davi d Bowie foi essencial para eu me reerguer.
Por falar em Bowie, seu pai foi professor dele. Que recordação guarda do período?
Meu pai conheceu o Bowie antes de mim, quando ele ainda se chamava David Jones. Temos três anos de diferença. Minha primeira lembrança de David é de um show que ele fez nas escadarias da escola com sua banda, The Konrads. Ele estava lá no fundo, tocando músicas de Little Richard e Elvis Preslev em um saxofone. Fiquei perplexo com sua presença, e disse para o meu pai: “Ele é muito criativo. Quero ser assim quando crescer’. Eu tinha 12 anos. Tempos depois, quando minha carreira estava falhando miseravelmente, David me chamou para tocar com ele na turné Glass Spider. Sabia do meu talento como guitarrista e estava me reintroduzindo nos palcos. Agradeço a ele todos os dias.
O senhor também gravou com George Harrison em All Things Must Pass, mas seu nome não apareceu nos créditos. O que houve?
O espólio do Harrison me procurou e pediu para eu contar detalhes daquela gravação para um documentário. Contei tudo e pedi que creditassem meu nome dessa vez (risos). Mas isso é um detalhe, o que importa é que eu estava lá. Foi uma experiência empolgante chegar ao estúdio e ver ídolos como George, Ringo, Jim Gordon e Stephen Stills. A foto daquele dia foi feita trinta minutos depois de eu ter conhecido o Harrison, e logo em seguida ele me pediu para tocar guitarra com ele.
É verdade que Pete Townshend, do The Who, ligou para o senhor pedindo que o substituísse na banda?
Sim. Eu estava muito em baixa e, do nada, ele me ligou e disse: “Estou pensando em não fazer mais turnês com o The Who. Ele perguntou se eu queria substituí-lo nos shows ao vivo. Respondi que não era uma boa ideia porque eu não sabia tocar guitarra girando os braços como ele, nem pular tâo alto no palco. Eu seria odiado pelos fãs. Quando perguntei se ele tinha consultado os outros integrantes, ele disse que falaria com eles no dia seguinte e desligou o telefone.
O que ocorreu depois?
Fiquei ansioso esperando ele me ligar por umas três semanas. Então, encontrei-o em Londres e não poupei palavras. Disse que ele deveria ter me ligado, nem que fosse para dizer que tinha mudado de ideia. Ele se desculpou. Hoje somos amigos e conversamos por e-mail. Pete é uma pessoa adorável. Espero que possamos tocar juntos um dia.